"Promesas del este"

Estamos hartos de ver películas de mafiosos: el buen humanista defensor de la ley, el capo sin escrúpulos, el violento de turno... Nada mejor que enterarse de quién es el director para tener una idea aproximada de cuál va a ser el verdadero tema. Y Cronenberg es sinónimo de calidad.

Una adolescente rusa da a luz en Londres a una niña, y muere en el parto. La matrona decide dar con la familia para entregar al bebé, y sólo cuenta con el diario de su madre, escrito en ruso. Lo que la buena de la matrona no sabe es que se mete en la boca del lobo, en la mafia rusa que hará todo lo posible para callarla la boca.

El film no circula alrededor de la figura de Naomi Watts, sino en la del conductor Nikkolai. Se puede decir que la historia del bebé es sólo el detonante para que entre en escena el hábitat en el que se mueve. Es un mundo grumoso, oscuro con toques dorados y rojo sangre, todo ello gracias a la excelente fotografía. Una historia universal que se desarrolla en Londres por casualidad: apenas hay planos de situación geográfica o menciones específicas. Esto no quita que la enfermera no sea indispensable: es la antagonista de la mafia, la pureza y el bien luchando por una causa justa.

Se ven algunas semejanzas entre Promesas del este y Una historia de violencia, y todas ellas son virtudes. Por ejemplo, la manera fría y brutal de mostrar las peleas, la agresividad de los personajes. Coreografías dolorosas y realistas que desnudan lo primitivo del ser humano, su lucha en una atmósfera hostil. No es de extrañar estas constantes, ya que con su anterior film Cronenberg por fin fue reconocido internacionalmente por lo que es, y parece ser que quiere repetir tal éxito.

Los actores están espectaculares. El aspecto técnico es impoluto. El director se hace palpable. ¿Algo más para recomendárosla?

Puntuación: ********

"This is Spinal Tap"

Bienvenidos al documental sobre la banda más ruidosa del Reino Unido: el rockumental del diabólico grupo Spinal Tap.

Vale, ni es un documental, ni Spinal Tap ha existido, así que quedáos tranquilos. Estamos ante un fake que se ríe sin disimulo de aquellas bandas de rock ochenteras, con sus melenas y mallas apretadas. Un documentalista decide rodar la gira estadounidense de un grupo con historia, y presencia conciertos, censuras, peleas..., humanizando a esos divos metaleros. Como todo buen documental, no pueden faltar las entrevistas e imágenes de archivo de tiempos anteriores, cuando los fundadores de la banda eran beat o hippies.

El propósito de la película es, sin duda, el de ridiculizar a todos aquellos cantantes rockeros, y hacernos pasar un buen rato. Los protagonistas tienen el ego demasiado subido, analfabetos de la música todos ellos, demasiado preocupados en su imagen como para darse cuenta que están en decadencia. Letras estúpidas, puesta en escena irrisoria y declaraciones eternas ("Éstos llegan hasta el 11", sobre unos amplificadores): esas son sus armas.

El formato de fake no es, en ningún momento, un ejercicio de estilo. No se intenta poner en evidencia los mecanismos de la verdad, como en el caso de Operación luna. Cada momento es más hilarante que el anterior, e intenta emular a los documentales en las formas, pero no en el contenido. Es en ese punto donde se manifiesta como gamberrada.

La película tuvo una gran aceptación del público, tanto que Spinal Tap cobró vida y editó discos. Su web está en proyecto, así que sólo está activa la de su club de fans.

En definitiva, película con virtudes de guión y casi obligada de ver como curiosidad, todo un especímen creador del rockumental XD

Puntuación: *******

Soy un vagabundo de Tokio...

Así comienza una película llamada "Tokyo Drifter", datada de 1966 y adorada por Tarantino, quien no dudó en homenajearla en su saga "Kill Bill".
Tuve la oportunidad de verla en unos ciclos de cine que proyectaban en mi universidad, llamados Videodrome. Mi profesor de Cine de Autor, Roberto Cueto, era el encargado de introducir las películas japonesas elegidas por él mismo, y no tuvo mejor idea que seleccionar unas que nadie había oído hablar sobre ellas.

La cancioncilla del principio me encantó y os pongo el vídeo, interpretada por el protagonista, todo un Raphael del País del Sol Naciente.

Si no lo véis, pinchad aquí.

¡No puedo caminar con una mujer!
Las flores con que sueñas...
Se marchitarán y los sueños morirán.
Si muero, moriré como un hombre.
Para ser sincero, incluso dejaré pasar el amor.
Soy un vagabundo, un hombre de Tokio.
Soy un vagabundo, un hombre de Tokio.

"Death proof"

Es muy difícil hablar de una película tan nombrada por todos. Todo el mundo ha dicho lo que los ha parecido, los críticos la han considerado mejor o peor, sabemos las aventuras y desventuras de "Grindhouse". Casi todo se ha dicho ya. Lo único que prometo es ser lo más personal posible y centrarme en el film y no en el proyecto conjunto con Robert Rodríguez: tanto el montaje como la proyección en Europa y Asia difieren con la versión original para países anglosajones.

Mike el Doble es el terror de la carretera: con su coche al modelo de los especialistas de cine, a prueba de muerte, se dedica a matar jovencitas simulando un accidente de tráfico. Primero las fotografía en secreto, como si fuera un obseso, y después las persigue en una mortal carrera automovilística; una historia sin mayores complicaciones. En la primera historia vemos su modis operandi, en la segunda, su fatal desenlace a manos de también especialistas de cine. Entre medias, homenajes técnicos de fotogramas rayados, montaje torpe y abrupto, desaparición del color... Citas en diálogos de películas de serie Z... Escenas copiadas de otras cintas... Vamos, lo habitual del pastiche.

Pero abandonando esto, Tarantino afianza una pulcritud de rodaje por muy pocos conseguida. Las persecuciones son claras y explícitas. Planos estáticos bien puestos y mejor montados (siempre y cuando su homenaje lo permite). Destello de lucided a la hora de rodar la conversación del segundo grupo de chicas alrededor de la mesa, a lo "Reservoir dogs". Las muertes tienen un sadismo digno del voyeur que desea ver todos los detalles de cada personaje.

¿Qué se hecha en falta? Algo muy Tarantino: una conversación tan brillante que no tengamos más remedio que memorizarlo para alardear de nuestra frikez.

Puntuación: *******

Programa doble de terror: "Desmembrados" y "Ovejas asesinas"

Debido a lo excepcional de la proyección, he preferido analizar cada película por separado: cada una es diferente y sería injusto hablar en términos generales.

Desmembrados

Un grupo de ejecutivos de una empresa armamentística se dispone a pasar unas vacaciones agradables de team building: cabaña de lujo en medio del bosque húngaro. El colgado, la feminista, el rebelde, la guapa, el líder poco carismático, el tonto servicial, el negro..., todos los tópicos están representados. Lo que no saben es que el atajo los llevará a una casa con misterio y a una muerte segura.

Partiendo de ahí, vísceras, sangre y sustos a medida que van desentrañando los trapos sucios del lugar y de su compañía. Como toda película gore, deben caer uno a uno y su muerte debe ser fatal, o relacionada con alguna conversación (la muerte del rebelde del grupo dice mucho del carácter de la humanidad); algún susto mal infundado, persecuciones, incertidumbre... Desmembrados no revoluciona el género ni tampoco lo pretende, sólo hacer pasar un buen rato, y lo consigue, cumpliendo todo lo que se espera de ella.

Varios críticos alegan que el ritmo es irregular, con un buen arranque. Hay que reconocer que en ciertos momentos se puede hacer monótono, pero no te permite despegarte de la butaca ni un momento. No se recrea en las torturas ni en los momentos sangrientos, intenta proporcionar el tiempo justo a cada escena.

¿Una de las mayores pegas? Que es más una comedia que película de terror al uso: crea tensión, relajada con alguna carcajada.

Puntuación: *******

Ovejas asesinas

Los maravillosos campos y colinas neozelandesas con dulces ovejas y un joven con fobia a ellas. Con tan mala suerte que todos esos miedos irracionales se cumplen por culpa de su hermano, obsesionado en encontrar la oveja perfecta y que no duda en manipularlas genéticamente. Unos activistas por error liberan a un ¿feto?, experimento fallido, con tan mala suerte que es asesino, contagia a otras ovejas, y todo esto sucede cuando nuestro héroe ovinofóbico pasaba por allí por tema de tierras.

Más o menos se puede sintetizar la sinopsis de una película a simple vista descabellada: una oveja no da miedo. Pero cuando la ves en plan El resplandor (que hay muchas alusiones a Kubrick, por cierto), con la cabeza fuera por un agujero de puerta y balando con fuerza, con el hocico ensangrentado, te das cuenta de que no son tan inocentes. O una estampida de un megarebaño, deseoso de vísceras de futuros compradores de la oveja perfecta.

La cinta tiene un claro mensaje ecologista, a pesar que se disfrace de gore, y deja claro que la naturaleza se puede volver contra nosotros de forma asesina o de forma mutante: los humanos mordidos por ovejas infectadas se convierten en ovejas gigantes, recordando demasiado al Macho Cabrío.

Ovejas asesinas es irregular en ritmo, no perfila bien a los personajes secundarios y a veces los acontecimientos suceden porque sí, sin razón aparente. También tiene sus partes buenas: un montaje claro (que no la dirección, recurriendo en los planos-contraplanos demasiado cerrados), humos irrerevente y muy buenos efectos especiales.

Puntuación: ******

Muerte de un genio

Hoy ha muerto Ingman Bergman, cineasta sueco, a la edad de 89 años. Muy poca gente como él ha sabido desnudar a los personajes para crear explosiones de sentimientos. Muy poca gente como él ha sabido reflejar las batallas interiores. Muy poca gente como él ha retratado las relaciones personales con tanta crudeza.

Su infancia y su educación estricta marcó a fuego su postura ante la vida, y gracias a Henrik Hibsen y a August Strindberg, dramaturgos, supo canalizarlo hacia las artes escénicas. Con el drama Bergman consigue los mejores éxitos, y participa en activo en las corrientes vanguardistas de los 60 en Europa; en España, es uno de los autores clave del denominado "cine de arte y ensayo".

Hombre intelectual que hace trabajar al espectador y al crítico, afanoso por encontrar significados. Dueño y señor de los monólogos. Gracias a él podemos ver "El séptimo sello", "Fanny y Alexander", "Persona", "Secretos de un matrimonio", "El manantial de la doncella", entre otros muchos clásicos.

Gracias por existir, por hacer grande el cine.

"El hombre con la cámara"

Para ver este film hay que despojarse de toda idea del cine como un relato, un medio de narración. Si no puedes aceptar que haya otras obras cuya única función es la descriptiva, ni intentes ver "El hombre con la cámara".

Hay que ponerse en situación. Década de los felices años 20. El cine ve cómo progresa de forma satisfactoria su versión ficticia, próxima al teatro ý capaz de divertir a los espectadores. Como contrario a la ficción, los cineastas se plantean cómo se representa la realidad, qué realidad hay que filmar, y otra serie de cuestiones que asentarán las bases para la creación del género del documental. Pero la verdad es que no saben por dónde empezar.

Esta obra se podría clasificar dentro del subgénero de "sinfonías urbanas", ya que su ámbito es el de la ciudad y se empapa de su vitalidad, reflejando esa admiración del cineasta por la obra humana. Uno de los más representativos es "Berlín: sinfonía de una ciudad".

Espero que en breves palabras haya quedado claro lo que otros escriben en libros enteros. Pues el film de Vertov se dedica a plasmar la labor de su hermano filmando cómo es el día a día de San Petersburgo, cámara arriba y cámara abajo: el despertar de los ciudadanos, las calles abarrotadas de gente, las mujeres de clases superiores (por mucho que existiera el comunismo), etc. El director tiene una especial fijación por las máquinas y aquellos que las manipulan, mareando el espetador con juegos de cámara y encontrando belleza simétrica en lo que a simple vista no lo parece.

Vertov quería hacer una película universal, y para ello se niega introducir rótulos que limiten el metraje a un espacio geográfico concreto, experimentando nuevas formas audiovisuales que se rijan por las emociones, mostrando situaciones cotidianas y familiares para todos: su culminación de la teoría cine-ojo. Y esa labor no la habría conseguido sin la ayuda del magnífico montaje, muestra de la corriente soviética. Aún ahora me parecen muy innovadoras las propuestas, con planos de segundos, ágiles, expresivos, sustitutos de la palabra, casi de infarto,

La versión que vi es del 2003, con música de "The Cinematic Orchestra" representando electronic-jazz. Aporta una agilidad y modernidad inaudita, recomiendo que intentéis conseguirla vía Emule ( la versión de Orígenes del Cine no despierta grandes simpatías...)

Puntuación: *********

"El graduado"

Un tierno y brillante Benjamin, de casi 21 años, se ve seducido por una mujer madura y amiga de sus padres, la señora Robinson. Empiezan una relación sórdida de sexo y vacío personal, pero todo cambia cuando conoce, en contra de la voluntad de su amante, a su hija Elaine.

Con esta píldora el lector puede pensar que está ante un dramón impresionante, con lágrimas, suicidio y tal: nada más lejos de la realidad. Se trata de una historia intensa y poco común, pero no llevada por los derroteros trágicos, sino con momentos de humor: la inocencia de Dustin Hoffman a la hora de pedir habitación en el hotel, su primera vez con la señora Robinson, su cita con Elaine...

También hay que tener en cuenta que a finales de los años 60 el cine no estaba tan "despendolado" como ahora, y trata el tema del sexo sin sentimientos de una forma menos exhibicionista que de lo que se haría ahora. Nuestro afán de mostrar es sustituido por el "antes y después de", restando importancia al coito en sí, y aumentándola en los sentimientos de culpa o placer.

Resula interesante la posible lectura de la película: el amor redentor del vacío, fomentado por el sexo. Quizá Benjamin acabó en la cama de la señora Robinson por la falta de comprensión de sus padres, incapaces de escuchar sus dudas existenciales y demasiado ocupados en presentarle en sociedad. Esta soledad, en cierto modo, fue lo que le empujó a una caída moral, según el protagonista, incapaz de levantarse hasta que encuentra el amor, no la pasión, en Elaine.

Por último, la dirección de Nichols es completamente acertada. Sabe llevar la cámara con correción y originalidad, imprimiendo su sello. Transmite con facilidad las emociones que siente el protagonista mediante los planos y el montaje (recordad el primer desnudo de la señora Robinson), y su puesta en escena es impecable. ¿Y qué contar del momento más recordado, cuando Anne Bancroft se pone las medias?

Puntuación: ********

"Fast food nation"

Linklater no se anda con chiquitas. Las empresas de comida rápida no son nada inocentes, son más poderosas de lo que parecen, son una insignia de la cultura americana y de hasta dónde se puede llegar por un puñado de dólares.

En la historia se cuentan y cruzan varias historias que tienen el mismo escenario: el matadero y planta de preparación de las hamburguesas de Mickey's, situado en la ciudad ficticia de Cody. La película empieza con el ejecutivo de márketing de la empresa, que tiene que averiguar por qué hay excrementos en la carne, continúa con la trágica historia de los mejicanos que cruzan la frontera y son contratados ilegalmente en el susodicho matadero. Y de ahí a la vida corriente de Amber, trabajadora de un restaurante Mickey's y que aspira a cambiar el mundo.

Este amalgama de líneas narrativas están muy bien repartidas a lo largo del emtraje, sabiendo dosificarlas. A veces se da mayor protagonismo a los inmigrantes, quizá por su mayor carga dramática, y en los últimos minutos el ejecutivo desaparece. No es porque deje de ser interesante, sino porque su historia, al igual que la de Amber, son más cortas.

El film tiene un claro mensaje concienciador, y si para ello hay que recurrir a frías imágenes de vacas descuartizadas, sangre brotando de sus vientres, vísceras o un plano de una mujer dejándose follar para conseguir un trabajo, se hace. El lema de "todo vale" a veces no es una buena táctica, y estamos ante un caso. La trama ya nos demuestra que la sociedad norteamericana está podrida desde dentro, y que pudre a los que acuden a ella, y eso lo demuestra con diálogos y acciones. La parte sangrienta del final es sólo sensacionalismo, gratuita.

Puntuación: *******

¡Frikada en cartel!

Atención a la nueva buena.

En un alarde de recordar los viejos tiempos en los que en el cine había sesión doble al precio de una, Manga Films decide estrenar el 14 de agosto Desmembrados y Ovejas asesinas, dos cacho "peliculones" de serie B contemporáneo.

Hay gente que ve esta propuesta como una llamada de atención a la productora de Grindhouse por su decisión de estrenar los filmes de Tarantino y Rodríguez por separado, achacándolo a causas culturales (aunque todo el mundo sabe que es para intentar maquillar los malos resultados en taquilla en USA pagando los europeos el doble).

Cada uno que juzgue como quiera. La duda que me surge es qué sala proyectará tal engendro, que no es ni comercila ni snob. De momento, rezo para que siga en cartelera hasta que vuelva de vacaciones...

Gracias, GuybrushTh. Para más información, pinchad aquí.

"Emmanuelle"

Esta película fue una revelación en su estreto no tanto por su dirección, interpretaciones o drama, sino por ser de temática erótica un tanto descarada. Estamos en 1974, y el cine ebulle en nuevas corrientes de ruptura con el cine clásico: que un film porno-light sea tan famoso es muestra de ese despertar de la industria.

La verdad es que, si se ve con los ojos del siglo XXI, puede parecer una película un poco ñoña, o exageradamente exótica. El sexo se ampara justo en ese ambiente de aburrimiento exquisito de las "mujeres de" en el que vive nuestra jovencita Emmanuelle, casi recién casada con un hombre que la considera patrimonio de todos y que nunca le ha puesto los cuernos en París. Ella, inocente, es abordada por otra francesa de tendencias lésbicas, se sorprende con una chiquilla que se masturba delante de ella y se enamora de una arqueóloga. Para más inri, un viejales, maestro del erotismo y cuasi filósofoso quiere introducirla en ese mundo del placer de la carne.

La película es sólo de folleteos, sin trama mínimamente interesante que la de ver las tetas de Sylvia Kristel y cómo todo el mundo quiere sobárselas. Pero bueno, el total es un poquito resultón, con diálogos que dicen verdades como puños.

Puntuación: ****

"El hombre elefante"

O un canto por el diferente. O la tragedia de ser y sentirse discriminado.

La película, protagonizada por un chico deforme, es un bello canto por la tolerancia y la necesidad de sentirnos aceptados, cualidad que configura al humano como ser social. Puede parecer descabellada idea, pero creo que lanza un mensaje muy positivo.

John Merrick, físicamente, es un mal esbozo de anatomía humana; mentalmente, un ser sensible, delicado y cumplidor, agradecido. Su desgraciada vida transcurre en un circo de freaks, en el que es el plato fuerte y controvertido, maltratado por su dueño y aquejado de enfermedades. Ahí es donde fue descubierto por el doctor Treves.

Fascinado, lo adopta e intenta que muestre signos de inteligencia, y sí, John tiene más luces de las que aparenta. La vida le sonríe, pero la sombra de la diferencia planea sobre él.

El blanco y negro es el ambiente idóneo para situar la Inglaterra Victoriana, los efectos especiales están muy conseguidos, y la belleza de las imágenes transmiten delicadeza y brutalidad, a una velocidad de 24 fotogramas por segundo. La crueldad es manifiesta por una maravillosa puesta en escena; la dulzura, por unas interpretaciones y diálogos que llegan al corazón.

No quisiera destriparos el final, pero he de decir que es más acertado de los que he visto, y que es todo tan delicado, sereno, a pesar de la trágica solución...

Pero no todo son rosas. Lynch no supo dar ritmo a la vuelta de John al circo, siendo tedioso y sólo un tránsito para la consecuencia, rodado con un poco de tedio.

Puntuación: ********

Con la ayuda de Crónica en la red.

"El séptimo sello"

A mí de siempre me han interesado los debates filosóficos sobre la muerte y la religión (el cristianismo, más bien): ¿hay algo después del final de la vida?, ¿sólo existe el vacío?, ¿es la religión una forma de afrontar la muerte, de eludir la inevitable angustia? Todas estas preguntas resumen más o menos mis paranoias y mis preocupaciones, así que cuando terminé de ver "El séptimo sello", lo mínimo que estaba era entusiasmada.

La historia se localiza en Suecia, en el siglo XIV. Europa es un continente azotado por la peste negra, que inunda de pesimismo y pánico a la población. Antonius Blovk llega a su país procedente de las cruzadas, ajeno a la tragedia que se vive alrededor. Una mañana, la Muerte le visita para llevárselo y él, esperanzado en hacer un acción para ser recordado, le desafía con una partida de ajedrez. A partir de ese momento, las estampas de la sociedad feudal, oscura y religiosa se suceden mediante reflexiones sobre el más allá y la vida.

Sería muy inocente atribuir sólo al momento histórico las reflexiones. Bergman sólo utiliza la peste negra para dar marco a las obsesiones que le atenazan. El caballero y el escudero son dos yo del director: el creyente por miedo y el vividor consciente de que no hay nada más, ambos espectadores de la quema de amantes del diablo, de la procesión redentora, de la alegría de vivir de los juglares, de los problemas mundanos, de la avaricia y falta de humanidad de aquellos que en su día exortaron a los demás de seguir el camino de Cristo.

Cada personaje, aunque sea sólo secundario, es tan inmortal como la misma Muerte, y las preguntas que se cuestionan nunca serán respondidas, ni siquiera por Ella, que desconoce qué hay detrás. Me gustaría destacar a la chica salvada por el escudero y convertida en criada, siempre muda ante el horror, triste y desesperada, y deseosa de morir, como advierte su sonrisa al ver a la Muerte: morir es redención y salvación de la realidad.

La dirección es impactante y nada efectista, y se plantea con rapidez cuál es el punto en el que da comienzo el film. Planos generales de la naturaleza son antítesis de los planos cortos del salvajismo, una fotografía que sabe sacar partido a los claroscuros, un montaje directo, dinámico y estático a la vez. La labor de Bergman me deja sin palabras.

Una película tan universal nunca debe ser olvidada.

Puntuación: **********

"Las uvas de la ira"

No esperaba menos de John Ford. La historia de la búsqueda de la supervivencia en la América pos-crack es impresionante, pero debo reconocer que lo que más me llamó la atención fue la dirección. No nos adelantemos, como siempre me ocurre.
Tom Joad sale de la cárcel por homicidio y se encuentra un panorama desolador: sus vecinos y familia han sido desalojados por las grandes empresas, teniendo que abandonar sus tierras y emigrar hacia la tierra prometida que es California. Una vez, que se reencuentra con los suyos, emprenden el viaje a traves de desiertos, no sin dificultades.
Ford no sólo se dedica a narrar el viaje, lo que la podría convertir en una road movie: él va mucho más allá al detenerse en todas las peripecias que sufren en California, con los sueldos abusivos y el rechazo de los autóctonos. Se puede ver fácilmente una paridad con la situación actual de los países desarrollados con la inmigración; es un espejo de lo que son los inmigrantes y de lo que somos los que los recibimos.
El guión es correcto, alternando momentos de esparcimiento con los dramáticos, aunque miatención no estuvo tanto en la trama en sí, sino en la pureza de los planos, en los claroscuros favorecidos por el blanco y negro, en la perfecta composición de la puesta en escena, en esos planos generales de las áridas tierras de Oklahoma con Henry Fonda caminando a través de ellas. Sublime, pero con una pega. No creo que se recoja en su intensidad la carga dramática de los protagonistas, su sufrimiento por las penurias; más parece una consecución de acciones en las que sufren, pero no tanto. Debo señalar que no sé si fue mi impresión o producto por mi extrema fijación e la dirección, que quizá me hizo separarme de la historia. Vosotros juzgáis.
Puntuación: ********

"El vídeo de Benny"

Segunda película de Michael Haneke, supone una ruptura con respeto a su estreno como director cinematográfico, "El séptimo continente", en lo que se refiere a la desfragmentación de la narración. "El vídeo de Benny" está narrada de un tirón y la división en capítulos mediante el montaje es inexistente. Creo que esta decisión es debida a que no interesa tanto la evolución de unos personajes para acabar en un hecho violento, opción que propicia un montaje muy segmentado y bechtiano por los posibles saltos de tiempo y espacio: Haneke empieza por el hecho violento en sí, omite esa transformación de Benny, y lo que importa es la vida de Benny después de lo violento como medio explicativo de lo que él y sus padres son ahora.

Quizá haya empezado demasiado deprisa. La película va de un adolescente llamado Benny que siente fascinación por lo audiovisual, desde el cine hasta la televisión basura; en su habitación tienen gran importancia la cantidad de VHS en las estanterías, una potente televisión y una cámara que ora hace las veces de ventana (graba lo que se ve por la calle poruqe siempre tiene las persianas echadas), ora graba su vida diaria desde su estático trípode. Cada vez que va al videoclub ve a una chica mirando embelesada el escaparate, hasta que un día habla con ella y se la lleva a casa. Al cabo del tiempo, acaba asesinándola.

La escena inicial de la película es esencial para, no sólo entender a Benny, sino para entender a la sociedad actual: alienados por la televisión, somos capaces de horrorizarnos ante algo violento, como es el caso de la matanza del cerdo, pero ese sentimiento en seguida se sustituye por una morbosidad que nos hace recrearnos en esa violencia, rebobinando y volviéndolo a reproducir a cámara lenta.

Porque la película no es otra cosa que una atroz crítica a la sociedad del bienestar, a la clase media que conlleva irremediablemente una hipocresía y una vida desprovista de sentimientos amables. Los padres, consintiendo demasiado a sus hijos, permitiendo que ellos alcancen un nivel superior de deshumanización que hace que irremediablemente acaben como Benny, haciendo cosas "porque sí" y negando todo agradecimiento o capacidad para expresar su sentir. La televisión, ayudando a la morbosidad, violencia gratuita. Los jóvenes, demasiado alienados en su comodidad como para revelarse de forma seria, sólo con un corte de pelo, condenado en convertirse en máscaras como sus padres o en recipientes vacíos como Benny.

Puntuación:

"Cabeza borradora"

Para empezar, en esta película no valen interpretaciones, ni reflejos de la sociedad, ni cualquier comentario que un buen cahierista haría. La película, simplemente, es, y no debemos fijarnos tanto en lo que Lynch nos quiere decir, como en cómo lo dice.

La pesadilla del bebé deforme, o cómo Henry Spencer afronta esta paternidad y el cambio en su vida, son temas que no parecen que interesen demasiado al director: lo que importa es el uso de la luz, el blanco y negro extremo, las escenas oníricas de los sueños y (¿por qué no?) de la vida real, porque con lo que sucede nunca se sabe si se está despierto o soñando.

Todo recuerda al surrealismo de la década de los 20, como por ejemplo la escena del comienzo, con una superposición del torso de Henry y ese espermatozoide que augura la deformidad del feto. El teatro detrás del radiador pone el toque musical, con una chica con carrillos hiperdesarrollados que al final le consuela y libera de su angustia interior. O, según mi opinión, unos de los mejores momentos de la película, cuando el protagonista empieza a sacar de la entrepierna de su novia y prometida Mary espermatozoides monstruosos que estrella en la pared.

"Cabeza borradora" fue rodada con escaso presupuesto, pero ello no fue un impedimento para crear unos efectos especiales muy turbadores. ¡El bebé es tan real! Lyunch demuestra que con buen hacer se puede conseguir lo que se quiera.

Puntuación:

"Tren de sombras"

Película muy poco conocida pero que todo el mundo debe verla. Guerín es convincente a la hora de hacernos pasar una "cinta doméstica" de los años 20 como si fuera real. El decorado y el vestuario es cuidado al máximo, al igual que la forma de comportarse los personajes y ls técnicas de "envejecimiento" de las cintas, con los quemados, parciales desapariciones de imagen, etc.: el trabajo es impecable.
Pero lo que más atrae del film es el voyeurismo con el que el director y el montaje desvelan los secretos familiares de esta familia francesa bien avenida, la forma en la que centran su obsesión por la hija mayor, captando su rostro una y otra vez: congelar la imagen, ralentizar la velocidad de la cinta, repetir sus gestos una y otra vez, acercarse a ella, a sus ojos... Es casi la obra de un acosador.´Lo que más me gustó fue la representación de cierta cinta, donde se pasó del modo observacional a la labor de reconstruir un hecho inocuo pero que encierra un secreto, quizá no revelado...
Con todo esto, seguro que todavía no tenéis ni idea de qué va la cosa. Pues va de un buen señor abogado cuya pasión es la fotografía y grabar a su familia. Un buen día decide hacer fotografiías al río, pero muere en extrañas circunstancias. Es entonces cunado, años después, Guerín "rescata" estas grabaciones.
El único fallo que le encuentro es la aburrida y no-narrativa forma que tiene de plasmar el pueblo y la casa oy en día, con planos estáticos de coches pasar durante bastantes minutos, que ralentizan el ritmo y llegan a aburrir.
Puntuación:

"La rosa púrpura del Cairo"

Está ambientada en la Gran Depresión de USA. La protagonista es Cecilia, una mujer soñadora que va asiduamene al cine para abstraerse de sus problemas: el trabajo, su marido holgazán y desempleado... Cae rendida ante la peli "La rosa púrpura del Cairo", por su exotismo y glamour, todo aquello que en su vida no hay. A la 5º vez que va a ver esa misma película, uno de los personajes sale de lapantalla, le confiesa su amor y se fugan juntos. A partir de ahí las anécdotas y el cariño que se profesan hacen que Cecilia engañe a su esposo. Pero ahí no queda la cosa: el actor que protagoniza al personaje teme que ese incidente arruine su carrera, y decide ir al pueblo para convencer a su doble que vuleva a la cinta.
Todo destila autoría de Woody Allen: momentos cómicos, humor inteligente, sarcasmo... Sobre todo, resaltaría esa visión tan particular del cine, instrumento para olvidarnos de nosotros mismos, alejado de carga intelectual, el 7º arte como fábrica e sueños.
Puntuación: